Quando você pensa em artesanato japonês em papel, o origami é provavelmente a primeira forma de arte que vem à mente. Se você conhece essa prática milenar, sabe que uma obra de arte com base no origami é criada manipulando uma única folha de papel com nada além de uma série de dobras estratégicas sem conte ou cola. Embora esta seja a abordagem mais conhecida da forma de arte antiga, também existem adaptações, como, por exemplo, o kirigami, uma variação do origami, que oferece um pouco mais de liberdade criativa ao permitir que os artistas cortem e recortem suas criações em papel.

Peça por peça, camada por camada, este vídeo de time-lapse de dez minutos captura o artista japonês de LEGO, Jumpei Mitsui, montando uma escultura gigante da famosa xilogravura feita em 1832 pelo mestre japonês Hokusai, "A Grande Onda de Kanagawa", ao longo de 400 horas. Jumpei observou vídeos de "A Onda" no YouTube durante horas e leu artigos acadêmicos sobre o gravurista do período Edo, Katsushika Hokusai, para entender melhor suas formas e energia. O modelo tridimensional de Jumpei foi feito com cerca de 50.000 peças e foi instalado mais recentemente no Museu de Belas Artes de Boston.

Há alguns anos, apresentamos aqui no MDig a arte japonesa do kintsugi (literalmente ""carpintaria com ouro" em japonês), cujos praticantes consertam cerâmica quebrada com ouro de uma maneira que enfatiza, em vez de esconder, as rachaduras. Desde então, a ideia parece ter capturado a imaginação ocidental, inspirando não poucas pesquisas on-line, mas também livros e manuais. Mas, como nos lembra o kintsugista Yuki Matano, o kintsugi é visto como uma técnica de reparo refinada no Japão. Os japoneses geralmente não associam o kintsugi à arte-terapia ou à saúde mental.

Seis pinturas roubadas de uma prefeitura em Medemblik, na Holanda, no mês passado reapareceram na porta do renomado detetive de arte Arthur Brand. Conhecido como o "Indiana Jones do mundo da arte", Arthur é famoso por suas investigações bem-sucedidas. Nos últimos anos, ele localizou diversas obras de arte valiosas, incluindo uma pintura de Picasso, um mosaico do século VI e duas estátuas de cavalos adoradas por Adolf Hitler. Ultimamente, porém, suas recuperações têm sido mais fáceis. No mês passado, alguém entregou um Van Gogh roubado embrulhado em uma sacola da Ikea na casa de Arthur em Amsterdã.

A artista americana de instalações Alexa Meade é mais conhecida por seus retratos pintados diretamente no corpo humano e em objetos inanimados de uma forma que reduz a profundidade e faz com que seus modelos pareçam bidimensionais quando fotografados O que resta é "a foto da pintura de uma pessoa, e a pessoa real escondida em algum lugar embaixo. Ela pega um conceito clássico chamado trompe-l'oeil, a arte de fazer uma pintura representacional bidimensional parecer tridimensional, e faz o oposto, fazendo a vida real parecer uma pintura.

Todos os anos, em 29 de setembro, o Dia Mundial do Coração aumenta a conscientização sobre as doenças cardiovasculares, a principal causa de morte em todo o mundo. O Dia Mundial do Coração é um lembrete para todos ao redor do mundo cuidarem de seus corações. A campanha deste ano centra-se no passo essencial de conhecer primeiro o nosso coração. Em um mundo onde o conhecimento sobre a saúde cardíaca é limitado e as políticas são insuficientes ou inexistentes, o dia pretende quebrar barreiras e capacitar os indivíduos para assumirem o controle do seu bem-estar.

Também conhecida equivocadamente como linogravura reducionista, trata-se de um processo arrevesado de impressões de redução que usam o mesmo bloco de linóleo para imprimir todas as cores de uma imagem. Pode ajudar pensar nisso um pouco como um carimbo de borracha. Ao colocar um carimbo de borracha em uma almofada de tinta, você está aplicando tinta na superfície em relevo. Quando você pressiona seu carimbo com tinta em um pedaço de papel, pronto! Você criou uma impressão em relevo muito básica. Xilogravura, tipografia e linogravura são todos tipos de impressão em relevo.

A história da arte com sucata remonta ao início do século 20, quando artistas e escultores começaram a experimentar o uso de sucatas de metal descartadas como meio para seu trabalho. Durante esse período, o aumento da industrialização e o aumento do uso do metal na fabricação e na construção levaram a um excedente de sobras de metal descartadas, que os artistas começaram a coletar e usar em seus trabalhos. Nas décadas de 1920 e 1930, artistas como Pablo Picasso e Joan Miró começaram a incorporar sucata em suas obras, muitas vezes incorporando a ferrugem e o desgate em suas peças para criar uma sensação de decadência.

A arte do malabarismo existiu em várias culturas ao longo da história. É tão antigo que não há como rastrear o seu começo. As primeiras representações foram encontradas tanto no antigo Egito, quanto China, Grécia e Roma, bem como nas sociedades medievais e modernas. Malabarismo é difícil, mas o malabarismo sincronizado é outro nível de dificuldade. Conheça esse grupo de atuação conhecido como Nova Conformidade, que consegue fazer malabarismos em sincronia no circo Causa e Efeito que é bastante impressionante.

Todo outono boreal, novas esculturas tomam conta do Festival de Arte de Wara, no Japão como todos os anos mostramos no MDig. Este evento anual é uma colaboração com a Universidade de Arte de Masashino, na qual estudantes de arte ajudam a descartar a palha não utilizada da colheita do arroz (wara em japonês). Em vez de descartar ou queimar tudo, os participantes criam estruturas enormes baseadas em um tema. Este ano, as instalações foram inspiradas em Echigo no Umi, ou "Mar de Echigo", que se refere às águas que cercam uma antiga província equivalente à atual Niigata.

Se você não chegou hoje à internet, já deve ter ouvido falar do artista holandês Theo Jansen, criador dos strandbeesten, holandês para "bestas da praia". Theo usa a força eólica para criar arte com suas criaturas que caminham elegantemente pela areia como se estivessem se movendo por vontade própria. Elaboradamente construídas com materiais simples como madeira, tubos de PVC, tecido e fios, o novo e fantásticos strandbeest de Theo tem 18 metros de comprimento e é mostrado no clipe que ilustra este post correndo pelas areias de uma praia na Holanda.

O artista parisiense Simon Laveuve imagina um mundo repleto de arquitetura anárquica em sua série contínua de abrigos detalhados em miniatura. Na escala 1/35, seus trabalhos recentes exploram as possibilidades de morar em lugares remotos ou inóspitos, incorporando pequenos balanços de pneus, escadas de corda, móveis e arte. As estruturas turriformes imponentes e em ruínas contêm portas de madeira, mensagens rabiscadas e uma variedade de objetos utilitários, sugerindo o trabalho diligente de mãos invisíveis. Embora desprovida de figuras, uma xícara de café abandonada ou uma porta entreaberta sugerem que os habitantes não estão muito longe.