Os flashmobs tiveram seu auge lá por meados dos anos 2010 e de repente sua popularidade despencou. A razão para isso é que o movimento perdeu toda a sua essência, que por definição seria a reunião gradativa de um grupo de músicos em ambientes públicos, com grande movimentação de pessoas, para realizar uma apresentação e repentina e rapidamente se dispersar como se nada tivesse acontecido. Isso era muito legal, pois o espectador, através dos neurônios-espelho, se maravilhava com a reação das pessoas presentes nos shoppings, praças, estações e aeroportos.

Imagine a situação: você está na fila do supermercado, no ônibus voltando para casa ou sentado do lado de fora de um escritório para uma entrevista de emprego. Uma música começa a tocar -vamos imaginar que é "Under Pressure", do Queen-, seja nos alto-falantes ou simplesmente no seu fone-de ouvido enquanto você espera. Inconscientemente, seu pé começa a marcar o ritmo da música. Mas por quê? Será que é uma resposta física natural ao ritmo, impulsionada pela forma como nossos cérebros processam som e movimento?

Em 2015, três amigos de uma escola de música parisiense, começaram a improvisar com objetos reciclados, como garrafas, brinquedos e copos, para um projeto em grupo bem humorado. A ideia inicial era apenas fazer alguns poucas apresentações na escola. Mas a coisa toda começou a tomar corpo quando amigos começaram a convidá-los para alegrar festas e novos membros com novas ideias e novos instrumentos se juntaram a troupe. Assim surgiu o Les Fo'Plafonds, que deriva do "teto falso" (faux plafond) de sua sala de ensaio.

Hoje em dia, a popularidade da música diminuiu um pouco, pelo menos em termos de sua onipresença em festas infantis, aniversários e encontros com crianças. Mas, naqueles anos de transição entre o surgimento do YouTube e a atual inundação da plataforma com conteúdo infantil gerado por inteligência artificial e algoritmos insanos, "Baby Shark" foi um sucesso monumental. Um sucesso que, no entanto, não tornou seus criadores milionários, ao contrário do que muitos de nós acreditávamos.

Quando foi lançada, a ideia do bardcore, ou tavernwave, parecia genial ao criar versões musicais em estilo medieval de músicas pop e rock atuais. A principal característica é a reimaginação de canções populares com uma estética medieval. O gênero se popularizou em 2020, durante a pandemia de covid-19, ao utilizar instrumentos e arranjos típicos da Idade Média, como alaúdes e violas, tambores e outros instrumentos de época, em vez dos instrumentos eletrônicos da música original. para recriar canções modernas.

O festival Miss Mundo hoje parece coisa do século passado -ninguém mais liga- depois que a odiosa comunidade woke avacalhou com o evento, mas, vez em quando, aparece alguma coisa que ainda chama a atenção, como Ignacia Fernández, que participou do concurso Miss Mundo Chile e viralizou com sua apresentação na prova de talentos. Enquanto a maioria das candidatas que participam da prova opta por canções folclóricas sem-graça, Ignacia já era cantora profissional, fundadora da banda de death metal progressivo Decessus em 2020.

Os nomes Leo Fender e Les Paul ficarão para sempre associados à explosão da guitarra na cultura popular. E com razão. Sem os designs atemporais do engenheiro Leo e do músico e gênio do estúdio Les, é difícil imaginar como seriam os instrumentos mais icônicos de décadas de música popular. Embora Leo e Les recebam toda a glória, são dois homens chamados George que merecem grande parte do crédito pela invenção da guitarra. O primeiro, o oficial da Marinha George Breed, tem um status em relação à guitarra semelhante ao de Leonardo da Vinci em relação ao helicóptero.

As primeiras descrições do órgão de rua (realejo), podem ser encontradas na literatura já no final do século XVIII. Muitos foram fabricados por construtores de órgãos italianos que se estabeleceram na França e na Alemanha. Esses primeiros realejos tinham mais tubos do que a serineta, eram polifônicos, podiam tocar mais de uma melodia, e eram consideravelmente maiores, em tamanhos que chegavam a até 75 centímetros de comprimento e 40 de profundidade. Devido ao tamanho e peso estes instrumentos de rua necessitam de um pé ou tripé de suporte.

Os músicos Rolf Lislevand, Krishnasol Jiménez e Ugo Nastrucci tiveram a honra de executar separadamente belos instrumentais dedilhados em um violão Sabionari, que foi construída pelo lendário mestre luthier Antonio Stradivari em 1679. Este é um dos apenas cinco violões Stradivarius que restaram no mundo, mas é o único que é completamente tocável. Se você não entende nada de música ou instrumentos musicais, certamente conhece o nome Stradivari e os violinos que levam seu nome. Objetos tão cobiçados que às vezes aparecem como alvo de casos criminais em filmes.

Toda vez que ouvimos s introdução de "Thunderstruck", do AC/DC, já vem logo a antecipação do som estridente da gaita de foles. Só que tem um problema: a gravação original da canção no álbum The Razors Edge, de 1990, conta com Brian Johnson nos vocais principais e não inclui gaitas de fole. Não cobraria nenhum senso que uma banda australiana usasse gaita de foles, certo? Pior que cobraria! O escocês radicado na Austrália Bon Scott, vocalista original da banda, fez parte de uma banda de gaitas de fole, embora ele fosse, na verdade, o baterista.

Estalactites pendem firmemente do teto, e estalagmites se erguem com força do chão: este é um recurso mnemônico que você pode ter aprendido nas aulas de Ciência do segundo grau, mas é provável que não tenha tido muitas oportunidades de se deparar com quais quer dessas formações desde então. Ainda assim, certamente poderia ter feito se visitasse as Cavernas de Luray, no estado americano da Virgínia, lar do Grande Órgão de Estalactites. Como o próprio nome sugere, essa atração é um órgão feito de estalactites, as formações geológicas que crescem no teto das cavernas.

Os solos de guitarra são as marcas distintivas do rock. Eles são emblemáticos porque oferecem melodias expressivas e memoráveis que proporcionam uma pausa emocional e musical em relação aos vocais principais, demonstram a habilidade técnica e artística do guitarrista e são realçados pela capacidade única da guitarra elétrica de flexionar notas e manipular o timbre por meio de efeitos. Esses solos criam um momento musical poderoso, dinâmico e envolvente que pode intensificar o sentimento da música e conectar-se com os ouvintes em um nível mais profundo.